10 des meilleurs films de 2025 jusqu’à présent

Les critiques de films de la BBC Caryn James et Nicholas Barber choisissent jusqu’à présent leurs moments forts du cinéma de l’année, d’une épopée brutale de guerre à un drame de vampire ambitieux.

Le film indépendant américain le plus vif de l’année jusqu’à présent, les stars du compagnon Jack Quaid et Sophie Thatcher comme un jeune couple dévoué qui vont rester avec des amis dans une escapade forestière éloignée d’un magnat russe. (Rupert Friend a un camée hilarant en tant que oligarque en muet.) Alors qu’une soirée ivre de confessions, de soupçons et de désaccords se déroule, il semble au début si le film pourrait être une comédie romantique, ou peut-être un thriller noire à propos d’un vol mal. En fait, Companion est un thriller de comédie de science-fiction – mais au-delà de cela, moins vous savez sur le film à l’avance, plus ses nombreux rebondissements et virages ingénieux seront agréables. Il suffit de dire que les débuts sur grand écran de l’écrivain-réalisateur Drew Hancock sont une satire scintillante sur la technologie moderne et le sujet de plus en plus pertinent de la façon dont certains jeunes hommes peu sûrs peuvent être intitulés. Et il emballe toutes ses idées en 97 minutes. (NB)

Aussi étonnant que l’était Black Panther de Ryan Coogler, il s’est surpassé avec les pécheurs. Michael B Jordan est sournoisement convaincant comme des jumeaux nommés Smoke and Stack, qui reviennent de Chicago dans leur ville natale du Mississippi, dans le sud de Jim Crow en 1932, pour ouvrir un Juke Joint. Avec une grande ambition et imagination, Coogler tourbillonne des genres et des tropes familiers dans un film totalement original qui brouille le réel et le surnaturel. Sinners est une pièce d’époque ainsi qu’un film de vampire. C’est un drame sur le racisme, la famille, la superstition et la spiritualité, et il vient avec du sexe passionné et de la musique blues exaltante. Coogler dirige avec Brio, créant parfois une Phantasmagoria dans laquelle des musiciens africains en vocation apparaissent à côté des rappeurs. La première heure est tellement pleine de texture qu’elle pourrait être seule comme un film d’époque, mais le surnaturel finit par s’immiscer, conduisant à une finale d’action, de sang et de vengeance. Jordan est entouré d’un superbe casting de soutien, dont Delroy Lindo, Wunmi Musaku et Hailee Steinfeld. Sexe, blues et vampires à la porte? Que peut-il vouloir de plus à partir d’un film? (CJ)

Le documentaire rivettant de Miranda Yousef raconte l’histoire de Thomas Kinkade, l’un des artistes les plus vendus de l’histoire. Les critiques ont rejeté son travail comme étant maladif, mais dans les années 1990 et 2000, il y avait des magasins partout aux États-Unis consacrés aux photos sentimentales de Kinkade de chalets de campagne confortables. L’art pour tout le monde pose des questions fascinantes sur qui peut décider de ce qui compte comme un art légitime et si certaines peintures peuvent être plus morales que d’autres – des questions qui résonnent aujourd’hui, à la lumière des guerres de culture continue aux États-Unis. Mais le film délicatement équilibré et sensible de Yousef est tout aussi fascinant sur les questions personnelles que sur les questions sociopolitiques. Un élément clé du marketing de Kinkade a été son image publique soigneusement construite en tant qu’homme familial entièrement américain chrétienne, et pourtant le soi-disant “peintre de lumière” avait également un côté sombre. Les pressions d’être un Dr Jekyll grincement enlacée l’ont-ils poussé à devenir un Mr Hyde autodestructeur? (NB)

Alex Garland, écrivain et réalisateur de la guerre civile, et Ray Mendoza, un vétéran qui était le conseiller militaire de ce film, a créé un drame vif et viscéral en temps réel qui recrée une bataille réelle entre Navy SEALS et les djihadistes al-Qaeda. La technique virtuose de Garland et l’expérience de guerre de Mendoza se mélangent dans un film de focus sans compromis, qui nous plonge dans l’intensité du combat sans explication ni étage. Pourtant, les visages de Joseph Quinn, Poulter, Cosmo Jarvis et D’Haraon Woon-a-Tai suffiront à capturer la peur et la détermination d’être assiégé. Créant des personnages loin de la bravade des films typiques de guerre hollywoodiens, les acteurs décrivent le courage de la bataille comme un test d’endurance rempli de terrorisme. Le film nous plonge dans ce sentiment. Il est bruyant et intense, implacable dans son barrage de grenades et de coups de feu, et lorsque les cris de douleur des hommes blessés commencent, ils ne s’arrêtent jamais. La guerre est une réalisation technique éblouissante mais bien plus encore. En se concentrant sur le coût personnel du combat et de la violence lui-même plutôt que de la politique du conflit irakien, il réinvente le film de guerre avec la fraîcheur et l’immédiateté de violation. (CJ)

Barry Keoghan, Christopher Abbott et Colm Meaney étoilent dans ce thriller de style occidental sombre et sanglant à propos d’une querelle entre les producteurs de moutons dans l’Irlande rurale reculée. Meaney et Abbott (qui parlent leur dialogue en Irlandais) jouent un père et un fils laconiques qui perdent leurs deux Rams de prix, pour découvrir qu’ils ont été volés par le fils sans manche de leur voisin (Keoghan). Des accusations sont faites, des ressentiments mijotants atteignent un point d’ébullition, et la violence s’ensuit – mais Christopher Andrews, le premier écrivain-réalisateur du film, rembobine son histoire et le rejoue d’un nouveau point de vue révélateur. Soudain, une histoire du crime et du rétribution durement bouillie devient une tragédie douloureuse sur les difficultés économiques désespérées, la stupidité juvénile, la fierté masculine et les traumatismes transmis de pères taciturnes aux fils taciturnes. Les faire tomber est difficile à regarder, mais il est magnifiquement tourné, intelligemment tracé et incroyablement puissant. (NB)

Le film engageant d’Alain Guiraudie (Stranger by the Lake) est plein de surprises. Cela commence comme un drame à propos de Jeremie, un jeune homme qui retourne dans son petit village dans la campagne française luxuriante pour des funérailles, devient alors une vision discrète du désir avec un thriller pour couvrir un meurtre. Le film transporte habilement le public à travers tous ces virages. Jeremie est un opportuniste mais aussi une énigme. Il a peut-être eu une passion pour son ancien patron et mentor, le Village Baker, décédé. La veuve de Baker semble définitivement intéressée par Jeremie, qui a grandi comme la meilleure amie de son fils, Vincent; Il soupçonne maintenant avec colère Jeremie de vouloir coucher avec sa mère. Jeremie ne veut pas cela, mais il se retrouve dans une affaire réticente avec le prêtre local. La blague est que tant de gens convoitent Jeremie sans remarquable, et le suspense vient des yeux de la petite ville et de la police locale se demandant ce qui s’est passé lorsque Vincent disparaît mystérieusement. Misericordia (Latin for Mercy) a été nominée pour huit prix de Cesar, l’équivalent français des Oscars, y compris le cinéma et le réalisateur, mais sa comédie humaine atterrit facilement avec le public partout. (CJ)

Au fond de la campagne française verdoyante, un payabout adolescent débraillé Totone (Clément Faveau) doit s’occuper de sa sœur cadette Claire (Luna Garret) après la mort soudaine de leur père. Sa réponse à leurs terres problèmes financiers? Faire du fromage de luxe primé. Le premier film de Louise Courvoisier est un drame de passage à l’âge de l’âge, enraciné dans le sol de la région du Jura où elle a grandi. Elle offre une vision d’un initié terreux sur la façon dont la vie peut être intense pour les travailleurs agricoles, et à quel point il est déchirant lorsque les jeunes insouciants se tournent vers l’âge inlassable et responsable. Mais elle façonne également une histoire chaleureuse, romantique, magnifiquement pittoresque et finalement pleine d’espoir des outsiders travaillant ensemble sous le soleil pour améliorer leur vie. Les fromagers sont bénis, comme le dit une fois Monty Python. (NB)

Un grand dane géant et bâclé tire Naomi Watts dans les rues de Manhattan, mais à la fin de ce joli film sur l’affection et le chagrin, la comédie physique avec le chien semble le moindre. Watts joue en douceur Iris, un professeur d’écriture créatif dont le meilleur ami, Walter, un célèbre auteur féminisant, se tue. Il lui laisse son chien, Apollo, même si elle vit dans un appartement d’une pièce dans un immeuble sans animaux de compagnie. Traiter avec Apollo devient un moyen pour Iris de se débattre de ses sentiments d’amour et de perte pour Walter, joué par Bill Murray dans des scènes de flashback remplies d’une telle esprit et d’une telle tendresse qu’ils ont un grand impact malgré son temps d’écran minimal. Basé sur le roman éloquent de Sigrid Nunez et acclamé, le film a été réalisé par Scott McGehee et David Siegel, dont les films incluent The Under Rated Montana Story (2021) avec Haley Lu Richardson et Owen Teague. En évitant les clichés mawkish, ils ont créé un joyau d’un film qui est drôle et touchant, que vous soyez un amoureux des animaux de compagnie ou non. Venez pour le grand Danais exubérant, restez pour les émotions magnifiquement rendues. (CJ)

Les deux plus grands héros d’Aardman sont de retour – tout comme leur adversaire le plus sournois, un pingouin diabolique nommé Feathers McGraw. Réalisé par Nick Park et Merlin Crossingham, la vengeance nominée aux Oscars La plupart des oiseaux sont si choquées des qualités qui rendent les aventures farfelues de Wallace & Gromit si chères: le gadgetrant en stop-motion minutieux, l’humour britannique de la gleéneusement Silly, et l’afflexion profonde pour le monde du monde, le monde du monde. Surtout, c’est un régal de voir Feathers McGraw, plus de 30 ans après avoir été introduit dans le mauvais pantalon. Mais il y a plus dans le nouveau film du studio basé à Bristol que la fantaisie nostalgique que vous attendez. Lorsque Wallace invente un gnome de jardin robotique qui fait tous les emplois de jardinage préférés de Gromit (et c’est même avant qu’il ne devienne mal), l’histoire prend un voyage de canal en mission: un territoire impossible en abordant les craintes de l’intelligence artificielle. (NB)

Le réalisateur immensément talentueux Rungano Nyoni, dont je ne suis pas une sorcière (2017) a remporté un BAFTA pour les débuts britanniques exceptionnels, fait des films astucieux et accessibles de grand panache visuel. Son dernier est un drame aux yeux clairs sur les conflits culturels et générationnels. L’héroïne, Shula, est une femme cosmopolite récemment revenue de la ville à son village en Zambie. Nyoni transmet cette dissonance immédiatement, alors que Shula rentre à la maison d’une fête costumée vêtue d’un casque argenté scintillant et de lunettes noires (un hommage à une vidéo Missy Elliott) et trouve son oncle Fred mort sur un chemin de terre. Alors que l’histoire nous emmène dans les rituels funéraires traditionnels de la famille, il révèle lentement que Shula et deux cousins ​​avaient été maltraités par Fred comme des enfants, réalité que leurs mères ont mis de côté alors qu’ils pleurent leur frère. Le style de Nyoni est réaliste même si elle tombe dans des images surréalistes. Le récit sur le secret et le traumatisme de l’agression sexuelle se renforcent jusqu’à la fin, lorsque Shula se souvient d’une émission de télévision pour enfants et que le titre de ce film étonnant a enfin un sens. (CJ)